Luis Eduardo Aute en 1984. Entrevista y reseñas

En sus primeros años de carrera, la actitud de Luis Eduardo Aute con los escenarios fue conflictiva, tanto que durante largo tiempo rechazó subir a los escenarios, llegando incluso a no presentarse en algún concierto en el que estaba anunciado, como sucedió con la presentación, en noviembre de 1967, en el instituto Ramiro de Maeztu de Madrid del grupo Canción del Pueblo, con el que siempre mantuvo excelentes relaciones.

Acompañado a la guitarra por Joss Martin, se animó al fin a cantar en público en febrero de 1978, en un festival organizado por la CNT. Descubrió la erótica de los escenarios y debió gustarle, porque comenzó a actuar con frecuencia, ya con Luis Mendo como fiel escudero. Su presencia en directo disparó en breve tiempo el éxito de sus canciones y su popularidad, que se consolidó de manera definitiva a raíz de los dos recitales que ofreció, en marzo de 1983, en el Teatro Salamanca de Madrid, en los que contó con Teddy Bautista, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez y Serrat como invitados y padrinos, convirtiendo el doble álbum consiguiente en un indudable éxito de ventas.

Un año después se instaló en la cumbre del éxito multitudinario reventando de público la plaza de toros de Madrid en su actuación de las Fiestas de San Isidro. Una prueba de la repercusión de su trabajo está en la entrevista y las tres reseñas que sobre él tuve ocasión de publicar en apenas dos meses en EL PAÍS y que reproduzco a continuación. Hago lo propio con el artículo que también por esas fechas publiqué en Mundo Obrero.

“El éxito multitudinario condiciona en la medida en que hay que responder positivamente en dos vertientes. Por un lado, haciendo canciones de la misma calidad, y por otro, consiguiendo que además se vendan masivamente", confiesa Aute, preocupado por su presentación de hoy en el Palacio de los Deportes madrileño. Actuación en la que va a interpretar las nuevas canciones de su reciente disco y que va a constituir una especie de reválida, innecesaria a estas alturas para probar calidades, pero obligada de cara a convalidar el triunfo conseguido.

El éxito en el mundo de la canción es como un monstruo devorador que todo lo consume, que con todo acaba. Son muchos los cantantes que, forzados por la necesidad de ir dando cada vez la medida del triunfo anterior, se ven forzados a adecuar sus canciones al gusto del mercado. "Todas las canciones se escriben con la secreta intención de que sean un éxito, porque si no resulta difícil continuar cantando", dice Aute, mientras toma un café a la espera de comenzar uno de los últimos ensayos, que hará en un viejo garaje de Vallecas antes del recital. "Ahora bien, plantearme hacer una canción de éxito, pegadiza y comercial, no me lo planteo nunca, entre otras cosas, porque no sé hacerlas así y también porque después de tanto tiempo uno ya tiene una línea definida de la que difícilmente puedo salirme. Lo que me planteo, por el contrario, es profundizarla, perfeccionarla, pero siguiendo siempre el mismo camino".

Desde que en 1969, tras la buena acogida de sus primeras canciones --aquellas recordadas Rosas en el mar y Aleluya, entre otras--, decidió retirarse temporalmente a los más tranquilos refugios de la poesía y la pintura, Aute tiene claro que la canción es algo más que un divertimiento o un negocio. "La canción es un género artístico con unas características absolutamente autónomas. No es ni poesía ni música, ni siquiera la mezcla de ambas cosas. Es simplemente canción. Y ése es un tema que nos ha preocupado a unos cuantos desde hace años: perseguir que la canción tenga el mismo prestigio que una sinfonía o un buen poema”.

"La canción es básicamente comunicación directa", afirma. Una comunicación que se establece a través de las claves del espectáculo, en la que resulta fundamental el grado de credibilidad del personaje que está encima del escenario, enturbiado a veces por el abuso de trucos y golpes de efecto capaces de impactar al espectador, de llevarle por los caminos que el cantante decide y selecciona, con los peligros de conductivismo y liderazgo que ello conlleva. "Como no me veo es como alguien más lúcido que los demás. Procuro ponerme siempre en el lugar del espectador. Ser uno más, dubitativo, desconcertado y confuso. No intento echar luz sobre la tremenda oscuridad en que vivimos, sino contribuir a que todos nos sentamos menos solos con nuestras dudas y contradicciones".

Intimismo amoroso

El nuevo disco de Luis Eduardo Aute, que incide en similares líneas temáticas y musicales que los anteriores, desde la reflexión vital hasta la narración de historias más o menos personales, pasando por el intimismo amoroso, mezcla de cotidianidad y fantasía, se sale, en cambio, de la acostumbrada ordenación en trilogías que tiene la mayor parte de su obra. "Después de haber tratado en forma de trilogía temas monográficos (el amor, el erotismo y la muerte, en la que compone sus álbumes Rito, Espuma y Sarcófago, o la espiritualidad y el gozo en Albania, De par en par y Alma), ahora me planteo cada disco como una obra cerrada. Aunque quién sabe si, analizados con mayor perspectiva, no habrá un hilo conductor subterráneo entre el anterior, Fuga --Entre amigos fue un disco recopilación y, por consiguiente, único--, este de ahora, Cuerpo a cuerpo, y el siguiente, que no tengo ni idea de cómo será. No lo pretendo así, pero es posible que salga, aunque no de forma tan explícita como en ocasiones anteriores".

Luis Eduardo Aute va a presentar sus nuevas canciones intercaladas entre las antiguas, "que son más reconocibles", abriendo una nueva etapa de su carrera que este verano se va a mostrar en numerosos recitales por toda España. "Intentando que se olvide ese tópico que dice que la canción es un subgénero", concluye el cantante. Y aceptando el difícil reto, podríamos resumir nosotros, de demostrar que éxito y rigor estético son compatibles.

EL PAÍS. 21 JUNIO 1984

EL PAÍS. 16 JUNIO 1984

MUNDO OBRERO. JUNIO 1984.

Barón Rojo. Rock de Barrio (1984)

 Hay que ver a dónde había que acudir para darse a conocer,

aunque ya lo dicen en la canción:

"Los rockeros van al infierno".

Presentados por José Luis Fradejas en Aplauso.

Desde siempre he tenido una cierta querencia personal por el heavy, especialmente por el español, que como dicen los hermanos Castro en la entrevista tuvo, y tiene, unas características muy especiales que le distingue del de sus colegas anglos, prácticamente las mismas que distinguían el underground patrio del de otras latitudes. Básicamente una más íntima relación con la realidad social y política que les rodeaba, que en el caso del rock duro viene directamente de su aparición en escena en los primeros años de la resaca postfranquista.

Los heavys españoles de la época eran de barrio, agresivos y rojos, características que en Barón Rojo están claramente en su música, pero también en la militancia política de sus fundadores, Armando y Carlos de Castro, que en un tiempo se afiliaron al PCE, y en el trabajo sindical que desarrollaron durante años para crear un sindicato de músicos.

En 1984 publiqué en MUNDO OBRERO la entrevista que transcribo, en la que hablaban de estas y otras cosas igualmente poco habituales.

MUNDO OBRERO. 14 JUNIO 1984

Su último doble álbum, grabado en directo en un reciente recital en el Pabellón de Deportes del Real Madrid, el éxito dentro y fuera de España, los ha convertido en el grupo de rock de mayor audiencia de España. Son Barón Rojo, y cada una de sus actuaciones es una convocatoria para soltar adrenalina al son de unas canciones que con ritmo fuerte tratan de algunas de las cosas que suceden cada día a nuestro alrededor: el poder del dinero, la incomunicación, la miseria de las grandes ciudades, la opresión, la falta de libertad. Van a actuar en la próxima e inmediata fiesta de MUNDO OBRERO --que por cierto tiene un indudable sabor rockero en el programa, especialmente el día 29-- y hablamos con ellos en un bar, entre parejas que hablan de sus cosas y señoras con niños. El ruido de la televisión y las máquinas tragaperras de fondo.

--Vuestro público es básicamente juvenil y obrero. Gente de barrio que se siente orgullosa de serlo y no tiene envidia de pasear por Serrano mirando escaparates para comprar algún modelo novedoso. ¿Por qué?, ¿cómo os relacionáis con ellos?

--El asunto es que nosotros venimos de clase obrera, y, lógicamente, estamos más cerca de nuestra gente que de otra. No es que descalifiquemos a la gente de Serrano, entendiendo que esto es un símbolo de una cierta forma de vivir. Pero nosotros no somos así. No somos gente que venga de un estrato social alto y a la hora de ponernos a escribir y a componer, tenemos que hacer cosas que sentimos, que hablan de nosotros y nuestra gente, porque sí no quedaría todo muy artificial y falso. En nuestras canciones creemos que se nota que venimos de clase obrera y que nos integramos en ella, sabemos qué es lo que quiere y tratamos de hacer algo con nuestra música que apoye eso.

--Hace años en los barrios se cantaban otras cosas, otro tipo de música, ahora hay una movida de gente muy joven que se identifica con el rock duro, ¿es esta la música más representativa de esos barrios?

--Quizá es que el rock duro tenga varios elementos que le hacen atractivo para la gente joven, A través de él se pueden decir cosas con las que se protesta de la situación en que se vive, y, además, se puede decir a un volumen muy fuerte, de una manera muy contundente. Es una forma de protestar más alto, sin despreciar para nada a los cantautores, por ejemplo, a los que respetamos. Pero esta es nuestra forma de expresión y la de a gente que nos rodea.

La música de Barón Rojo es, al mismo tiempo, una forma de expresión de la juventud de los barrios y una lejana esperanza de salir de la situación en que viven. "En una película que hablaba de la vida de Jimy Hendrix –explican--, Roger Daltrey, el cantante de los Who, contaba que él se metió en la música porque, siendo de clase obrera, los jóvenes tenían tres opciones: dedicarse a la delincuencia, al fútbol o a la música. En nuestro país se podría ser también maletilla, pero la situación es parecida. La música es una forma de vivir en un ambiente en el que el paro abunda y la miseria es asfixiante. En nuestro caso también se da, como cosa importante, que la música nos captó desde pequeños y esta es la forma que hemos encontrado de dar expresión y canalizar nuestras inquietudes, nuestros sentimientos".

--¿No constituye cierto peligro para expresar ese ansia liberadora, de protesta, que vosotros queréis dar a vuestras canciones, la utilización de un vehículo como el rock duro, tan contundente, tan dogmático a veces a nivel musical?

--Hombre, eso es un poco inevitable. El pensar que lo que a uno le gusta es lo mejor es algo inherente al ser humano. Eso pasa en el rock duro, en la ópera, en el jazz o en el flamenco. Ahora bien, hay una cosa que nosotros detestamos, que es el fanatismo. Nunca es bueno, ni de un signo ni de otro, ningún fanatismo es bueno, no te lleva a ningún sitio y nosotros intentamos huir de ello, lo que pasa es que se mezclan muchas cosas, muchas historias, en las que a veces parece dogmático lo que no quieres que lo sea.

--¿Por qué en España el rock duro está más cargado de ese sentimiento de protesta social o política que en otros sitios, en Inglaterra, por ejemplo, su lugar de origen, donde los grupos hablan de cosas menos concretas?

--Es verdad que el rock duro no ha tenido en otras partes una conciencia social tan acentuada, pero la cosa es sencilla. Cada pueblo reacciona de acuerdo con aquellas cosas que le presionan. Y ya se sabe, a mayor presión, mayor reacción. En España hemos vivido una presión muy fuerte en tos cuarenta años de todos conocidos y la reacción ha sido también más fuerte. El rock no podía dejar de reflejar esa realidad, cosa que no ha pasado en otros países. ¿De qué van a hablar ellos?, pues de su chica, de su moto, de lo que viven. Nosotros hablamos de lo que vivimos y de lo que nos condiciona. Por eso el rock español, en general, no sólo el de Barón Rojo, está más radicalizado y es más fuerte y más agrio.

--¿Cómo se ven las cosas cuando se ha salido fuera de España y se ha triunfado?

—No varía mucho, se sigue pensando lo mismo, aunque de lo que sí te das cuenta es de que has tenido una base muy buena, una gente que te ha seguido y te sigue, y eso da mucha fuerza moral. Lo que se siente al salir de España y triunfar es un gran orgullo de ser español y de decir: Ahora estoy tocando en Liverpool o Birmingham y la gente responde, cuanto creíamos que éramos unos pobrecillos españoles, con ese complejo de inferioridad que le han metido a nuestra generación desde pequeñitos. Eso te da una visión más lúcida, más distanciada, de la vida.

--Barón Rojo son cuatro músicos veteranos que llevan muchos años tocando sus instrumentos, haciendo de todo en condiciones no siempre fáciles, desde bodas y bautizos hasta acompañar a cantantes de diversos tipos. Al final les ha llegado el éxito haciendo el tipo de música que les gusta, cosa que no siempre es posible.

--La vida del músico es un acertijo. Uno empieza porque le justa y luego intenta profesionalizarse, vivir de ello. Y eso lleva mucho tiempo, porque a veces hay que trabajar o estudiar al mismo tiempo, y después de currar ocho horas dedicarse a la música es un esfuerzo especial. Es muy penoso, porque para salir de esa situación tienes que contar en muchos casos con la suerte. No basta con hacer lo que te gusta y hacerlo bien, hay que contar con que se fije en ti una casa de discos, con que tengas un cierto éxito y puedas continuar grabando y actuando. Hay que estar muchos años hasta que puedes empezar a sacar adelante lo que te gusta hacer. Claro que tampoco la vida engaña a nadie. Quien se mete a músico sabe que las va a pasar negras, que va a hacer muchos kilómetros en furgoneta, incómodo, que va a dormir in cualquier sitio y comer cualquier cosa, pero también tiene sus compensaciones, la libertad te vivir como quieres, de levantarte y acostarte cuando te apetece. Y esas son libertades que tienen un precio.

--Los integrantes de Barón Rojo tienen también a su espalda muchos intentos de hacer más digna su profesión, de intentar luchas sindicales que no siempre han llegado a buen término y que hoy pasan por un momento bajo. ¿Por qué se ha venido abajo el movimiento sindical de músicos? ¿Por qué se está tan desunido, en ese terreno, quedándose atrás otros intentos pasados?

--Lo que sucede es que la situación de los músicos es un reflejo de la de la sociedad en general. Si hay problemas de paro, de las autonomías, de terrorismo, si los sindicatos van desunidos el primero de mayo, pues esos problemas se extienden al campo de la música. Los músicos, que viven aislados sin un sitio común de trabajo, preocupados por sus problemas específicos, sufren esa situación. La crisis que pueda haber en la música en ese terreno, que no hay unidad, que hay desánimo, es un reflejo de la vida nacional. Sería fenomenal que tuviéramos un sindicato unitario que protegiera al músico, pero ese es un problema que va tardar en solucionarse. Hasta que no se estabilice la sociedad y los problemas cotidianos, lo que condicionan la vida de cada día, no se va a notar un avance en ese terreno ni en los músicos, ni en los pintores, ni en el teatro, ni en otros sectores, que vivieron un momento de auge reivindicativo y hoy están más silenciosos, más aislados.

Ha ido pasando el tiempo, se ha terminado el café que habíamos pedido, en el bar ya no está, la misma clientela, que se ha sustituido por otra similar, similares parejas, señoras y niños, similares hombres solos acodados en la barra, acompañados todos por la misma tragaperras y la misma televisión que siguen haciendo los mismos ruidos. Es un bar de barrio. Acabamos la charla y nos des pedimos. Dentro de unos días volveremos a vernos, en la fiesta de MUNDO OBRERO, donde ellos, junto a Mediterráneo, Roca Negra, Asfalto, Banzai y Topo, pondrán ritmo rockero a la vida de la calle.

Peleando hasta el final.

Ensayando “Resistire” en El Salvador en 2012

Joan Manuel Serrat. Entrevistas 1984/85

A mediados de los años ochenta, Joan Manuel Serrat atravesaba un momento importante de su carrera como ídolo popular. Con la libertad ya en los países sudamericanos, especialmente del Cono Sur, en los que las respectivas dictaduras le habían prohibido cantar en los años anteriores, la vuelta a sus escenarios fue recibida con el entusiasmo popular que sólo se les rinde a los símbolos. A partir de entonces se convirtió en el único cantautor de la etapa franquista que sobrevivió a la dictadura no sólo con similar éxito al que había tenido antes, sino que lo multiplicó hasta convertirse en un ídolo de multitudes.

No es extraño, pues, que en esos años le hiciera varias entrevistas, reseñas y comentarios que publiqué en distintos medios, especialmente en EL PAÍS. De ellos rescato aquí una breve charla junto a Mario Benedetti con motivo de la grabación de “El Sur también existe”, y dos conversaciones, en MUNDO OBRERO y en EL PAÍS, en las que pienso que habla de cosas sobre las pienso que no ha hablado a menudo: la profesión de cantante, los medios de comunicación, la industria, la política musical, el comercio y el arte en la canción y algunas otras. He elegido como ilustraciones musicales algunas de las canciones de Serrat que más me gustan personalmente y he dejado la obra maestra para el final.

MUNDO OBRERO. 1984

Joan Manuel Serrat acaba de terminar su gira por España, una gira veraniega que ha estado llena de éxitos y actuaciones multitudinarias, en la que el cantante catalán ha sabido conectar con el público, transmitiéndole su mensaje de libertad, amistad, solidaridad y todas esas cosas pequeñas que hacen a la gente vivir más libres, en comunicación consigo mismas y con los demás. En la gira ha venido grabando las actuaciones para sacar a la venta un disco en directo, el primero de ese tipo que hace en su carrera, que transmita esa enorme capacidad de comunicación que Serrat ofrece sobre el escenario. Hablamos con él mientras escucha las cintas de esas grabaciones para seleccionar el material definitivo.

En una de las cintas encontramos un momento de sorpresa o de rechazo por parte de una minoría insignificante del público cuando canta un tema en catalán, que previamente ha traducido. Acalla los gritos con argumentos incontestables, pero el dato no deja de ser preocupante. ¿Por qué sigue sucediendo eso?

--Mira, yo siempre canto alguna canción en catalán, porque siempre hay que mantener ciertos símbolos que para uno son muy importantes. Aparte de eso, lo que resulta reconfortante es comprobar cómo el paso de los años varía el comportamiento de un personal en principio reacio a reconocer que existe una cultura que se llama catalana y un idioma que se llama catalán. Pero esos momentos apenas existen ya, suele pasar en algunos contados lugares fuera de Cataluña, donde la carretera nacional pasa poco y mal.

--¿Cómo  te  planteas  una canción en catalán o en castellano?

--Nunca me planteo una canción en catalán o castellano, me planteo un disco entero, que por lo que sea tiene que ser en castellano o en catalán, y a partir de ahí trabajo con un cierto método.

Latinoamérica: canción y sociedad

Joan Manuel Serrat está a punto de partir para Sudamérica, donde va a realizar la gira que anualmente hace. Este año podrá cantar en Uruguay, donde estuvo prohibido, y donde las entradas para el recital se agotaron con meses de antelación, igual que sucedió el año pasado en Argentina, país en el que la presencia de Serrat constituyó un aire de libertad con el que el público se identificaba.

--Formas parte del Comité Internacional de Nueva Canción, un organismo creado en el Festival de Varadero en Cuba y en el que participan los nombres más importantes de la canción de autor, no sólo de Latinoamérica sino de otros países, desde el brasileño Chico Buarque hasta el norteamericano Pete Seeger, pasando por el chileno Ángel Parra, el cubano Silvio Rodríguez, el nicaragüense Carlos Mejía Godoy, el uruguayo Daniel Viglietti, el mexicano Óscar Chávez y otros muchos. ¿Cuál es tu participación en este comité?

--Fundamentalmente formo parte de este comité porque sé que mi presencia allí sirve para colaborar con un esfuerzo común en el que creo. En realidad trabajo poco, mi posición es la de poner mi persona y mi trabajo al servicio de una manera de entender el oficio como compromiso con el pueblo, que si bien en España y en Europa en general puede tener ahora un sentido distinto, en América Latina sí que tiene su importancia, y muy grande, porque existe una relación entre la canción y la colectividad muy establecida, sabiendo para qué lado está cada uno, enfrentándose siempre con el enemigo principal de América Latina, que es la dominación de Estados Unidos, lo que conlleva el mantenimiento de situaciones de injusticia, falta de libertad, e incluso asesinatos simples y llanos.

--Sin embargo, parece que tas cosas van cambiando algo, no están igual El Salvador y Nicaragua, por ejemplo, que Argentina, ¿no?

--Son situaciones distintas, evidentemente, pero hay que tener en cuenta que en un país tan civilizado como Argentina se han podido dar esas listas de desaparecidos tan impresionante, que el reciente informe de la comisión presidida por el escritor Ernesto Sábato ha puesto de relieve para quienes no quisieran verlo, sin posibilidad de seguir ocultándolo por más tiempo ni esconder su verdadero significado, y tienen un boquete de dos millones ochocientos mil exiliados. La situación en Nicaragua o El Salvador es más dura, más directamente de enfrentamiento en estos momentos, pero es una situación que abarca a todos los países, fíjate en Chile y Uruguay. Esto es algo que los cantantes no podemos ignorar, por eso participo en ese comité, que busca contribuir con la canción a apoyar esa lucha de liberación a todos los niveles.

Industria, política cultural y canción

Serrat se expresa en el escenario y fuera de él con meridiana claridad, con la seguridad de quien tiene las cosas claras y quiere decirlas sin sobrentendidos. Las casas de discos, la política cultural, la dignificación del trabajo del cantante y del músico, los derechos laborales y culturales, son temas que le preocupan y sobre los que hablamos también largo y tendido:

--El problema de la industria discográfica de cara a la creación y a los creativos, a los artistas, es que cada vez van más atrás. Son burócratas que tratan de vender un producto y no saben ni lo que venden ni la manera de hacerlo. Van sólo sobre valores seguros, sin ningún sentido del riesgo ni de lanzar nuevos cantantes valiosos, que los hay. En las empresas de discos están siempre las mismas personas, que pasan de una a otra repitiendo los mismos criterios caducos. Se gasta el dinero en pagar listas de éxito, lo que es paradójico, porque pagan a las emisoras por hacer su trabajo, que es programar discos. Y lo hacen con una ignorancia total de lo que tiene significado cultural o calidad artística. Siguen a ciegas los criterios comerciales de las grandes multinacionales de las que dependen.

--Pero las cosas van variando un poco...

--A la canción se le ha dado siempre un tratamiento muy adolescente, comercial, por parte de la industria y de los medios de comunicación, pero siempre ha existido una canción seria, que quiere decir cosas, y canciones de consumo que se hacen para vender, y eso sí que va variando, al menos en el gusto del público. El hecho de que los que nos pongamos encima de los escenarios con cuarenta años, haciendo canciones que no pretenden decir tonterías, tengamos un público cada vez más amplio y fiel, que comprende mejor nuestro trabajo, es muy positivo.

--En estos últimos años, en que la canción de autor ha sufrido una cierta crisis, aunque algunos hayáis seguido cantando con regularidad y mayor éxito que nunca, pero también en que el país ha ido afianzando,  no sin conflictos, si quieres, la democracia, ¿han cambiado las condiciones de trabajo de los cantantes?

--Hombre, mira, las cosas van cambiando, más lentamente de lo que sería deseable, pero van cambiando. Ahora son muchos los Ayuntamientos, fundamentalmente de izquierda, que organizan recitales, y eso es un adelanto muy positivo, porque permite actuar a gente que, si no, no tendría otras vías o las tiene muy restringidas, al no ser 'cantantes comerciales con todo el apoyo de la industria.. Pero todavía suceden cosas lamentables que exigen que esto se complete y profundice con circuitos estables y no esporádicos. No es comprensible que haya que seguir actuando en malas condiciones, en plazas de toros, de feria o polideportivos, al aire libre, al lado de los caballitos, en escenarios pequeños e inadecuados, con malas condiciones acústicas. Hay un cierto momento en el que un determinado cantante tiene un prestigio y una demanda que puede empezar a exigir ciertas cosas, pero cuando lo haces dicen que eres un señorito, y no se dan cuenta de que la única manera de ofrecer un trabajo digno, como el público y el cantante se merecen, es hacer las cosas bien hechas, sin chapuzas. Además, está la situación de absoluto desamparo legal y laboral en que se mueven músicos y cantantes. Hay un pequeño número de gentes que podemos desenvolvernos mejor, pero se tendría que arreglar la situación de todos, desde la práctica de una política cultural inteligente. Hay que buscar unas leyes o unos mecanismos que nos protejan, de cara a las condiciones de trabajo, a la creación de circuitos dignos y estables, a la propiedad y derechos de las canciones. En fin, muchas cosas que todavía no se han afrontado y es necesario hacer en profundidad, porque la canción es una forma de cultura como otra cualquiera que, por si fuera poco, arrastra a verdaderas masas de gente.

 

EL PAÍS. 7 SEP 1984

Con un pie en el avión, a punto de iniciar su nueva gira por Latinoamérica, Joan Manuel Serrat cierra sus actuaciones veraniegas en España con la presentación de hoy en la plaza de toros de Las Ventas de Madrid.

A las 22.30 el cantante catalán se enfrentará con un auditorio de 20.000 personas, una cantidad de público similar a la que ha acudido a los recitales de Bob Dylan o Stevie Wonder, las más grandes figuras de la escena del rock internacional, que han pasado este año por España. En esta entrevista, realizada en el estudio de grabación donde supervisa las grabaciones de estos recitales, Serrat habló de la indefensión absoluta en la que cree que está el cantante en España.

Pregunta. ¿No es un cierto desafío para un cantante español enfrentarse con una cantidad de público que sólo han reunido las grandes figuras internacionales?

Respuesta. Yo creo que sí, sin ninguna duda. Este recital va a tener lugar en un espacio muy grande, pero es un público que siempre ha tenido conmigo un comportamiento muy cariñoso y que no se va a modificar hoy. Estoy seguro de que tanto público nos va a tirar para arriba, y será uno de los días más bonitos de nuestra vida.

P. Su último disco se titula Fa 20 anys que tinc 20 anys, en una referencia al tiempo que lleva cantando. ¿Cómo han influido esos años transcurridos en sus canciones?

R. Existe un personal que llevamos muchos años cantando, hemos pasado de la adolescencia a edades que se aproximan a la vejez, y el tipo de canciones que uno hace va acompañándonos en este trayecto. La canción que hacemos en estos momentos -yo entre otros- es diferente a la que hacíamos hace 20 años, más adulta, tanto en lo que contamos como en la forma de contarlo y en las motivaciones que nos mueven a hacerlo.

P. Sin embargo, el mundo de la canción sigue estando dirigido fundamentalmente a la adolescencia. ¿No hay un cierto desfase entre la canción como creación y la canción como comercio?

R. Todo lo que es el mundo comercial de la canción pienso que está sembrando su ruina constantemente, y lo hace a partir de una inoperancia y una falta de imaginación enormes. Los elementos que forman parte de las empresas discográficas suelen ser mucho más burócratas que creadores, y, en cambio, pretenden desempeñar más un papel de creativos que de funcionarios. Viven de la importación, siguiendo las directrices de multinacionales alemanas, británicas o norteamericanas, introduciendo un tipo de música que en este país a ningún hijo de vecino se le hubiera ocurrido escuchar a no ser porque nos la meten con calzador. No se hace caso a los creadores españoles, y es lamentable ver cómo matan la creatividad.

P. ¿Qué papel desempeñan en todo esto los medios de comunicación?

R. Los medios de comunicación están en manos privadas, y juegan únicamente con sus propios intereses. Estos medios tienen grandes compromisos que cumplir de cara a la sociedad, como los tienen otras industrias y no los cumplen en absoluto.

P. En los últimos años los recitales de canción ya no los organizan tanto empresarios privados como organismos oficiales, ¿Ha cambiado esto mucho las condiciones de trabajo de los músicos y cantantes?

R. Las cosas van cambiando, pero muy lentamente. La acción de ayuntamientos o diputaciones ha sido muy positiva, porque han puesto al servicio de la canción unos espacios amplios en los que se puede cantar y que abaratan el precio de las entradas. Pero es lamentable que todavía tengamos que seguir actuando en plazas de toros, en escenarios pequeños, sin condiciones, que no exista una infraestructura de locales adecuados organizados por el Estado. Ya es hora de que se cree una infraestructura que permita cantar en buenas condiciones a todo el mundo, en lugar de gastarse el dinero en grandes festivales que pasan y no dejan nada detrás.

P. ¿Cuál es la situación laboral del cantante en España?

R. Yo creo que hay una indefensión absoluta. No hay ningún tipo de protección ni de organismo que nos defienda, porque la Sociedad de Autores es sólo un organismo administrativo. Se nos persigue a la hora de pagar impuestos, pero no se nos protege, lo que sería su obligación. No hay ni seguridad social, ni retiros, ni nada de nada.

EL PAÍS. 5 OCTUBRE 1985

Joan Manuel Serrat -de 42 años de edad, criado al arrullo del mar en el Poble Sec barcelonés, cantautor- y Mario Benedetti -de 65 años, que vio la luz en Paso de los Toros, en Uruguay, poeta, ensayista, novelista y autor teatral- acaban de finalizar la grabación de un disco conjunto. Durante meses han estado trabajando, alargando o retocando poemas antiguos, o escribiendo letras totalmente nuevas para dar a luz 10 canciones que plantean una visión del mundo y de la vida desde la coincidencia de mirarlo desde el Sur.

"Un sur", explica Joan Manuel Serrat mientras esperamos en una sala del estudio de grabación la llegada del técnico para poder oír las canciones, "que no es sólo geográfico, ni siquiera que es un sur económico que resulta oprimido por un norte también económico, pero poderoso. Es un trabajo de dos personas del Sur, tres, porque hay que incluir a Ricard Miralles, que ha hecho un trabajo con los arreglos tan creativo como el nuestro, que plantean sus puntos de vista sobre lo que ven desde esa condición de compartir el vivir en una misma área". En los veinte años de trabajo de Joan Manuel Serrat y en los más de cuarenta de Mario Benedetti nunca habían coincidido personalmente, "aunque, como es lógico, por su categoría de cantante, yo conocía la obra de Juan desde antes de salir de Uruguay, hace diez años", dice el poeta. Circunstancia de conocimiento previo en la que coincide Serrat. "Es muy curioso: yo conocí al Benedetti poeta porque en cada viaje que hacía a Latinoamérica siempre me regalaban libros. Al principio eran libros de Machado y Hernández, no sé si por censura o aplauso al trabajo que yo había hecho con ellos, y muy pronto empezaron a coincidir en regalarme libros de Mario Benedetti. Desde entonces me apasiona su poesía y su actitud ante la vida". Se conocieron cuando el cantante llamó al poeta para proponerle la idea, que fue aceptada con entusiasmo.

Por teléfono y a través del correo, en encuentros en Madrid, Barcelona, Mallorca o Montevideo, fueron saliendo las canciones en las que han trabajado conjuntamente. "La forma de trabajar ha sido muy variada: partíamos de una idea general sobre lo que tenía que ser la canción, Mario me enviaba una letras -con una rapidez sorprendente, por cierto- y luego yo hacía acotaciones sobre las cosas que me iban bien o mal para cantarla” indica Joan Manuel Serrat. Y Benedetti matiza: "El trabajo ha sido muy agradable, es la forma que más me gusta de trabajar con un cantante, hacer conjuntamente la canción, para que letra y música vayan una en función de la otra".

Ambos habían tenido ya experiencias similares, aunque han resultado muy distintas. Joan Manuel Serrat había musicalizado con anterioridad a Miguel Hernández, Antonio Machado y Joan Salvat Papaseit, y los poemas de Mario Benedetti han sido cantados por más de treinta cantantes de toda Latinoamérica y España, pero ésta es la primera vez que se enfrentan a un trabajo en colaboración total, cosa a la que no parecen demasiado aficionados ciertos poetas importantes. "Eso va cambiando; hay poetas, como Jaime Gil de Biedma o José Agustín Goytisolo -o Idea Vilariño y Washington Benavídez, en Uruguay-, que están encantados de escribir letras de canciones", comentan casi a dúo poeta y cantante. "De todas formas, hay un refrán catalán que viene al pelo: El zorro que no alcanza las uvas dice que no están maduras", apostilla Serrat.

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Pete Seeger o la fidelidad

Con Arlo, el hijo de Woody. 

La melodía también fue utilizada por John Ford

en 1939 en "Las uvas de la ira".

No era casual. Ford ayudó a la República

e incluso le donó una ambulancia

Siendo Seeger uno de los cantautores que mayor respeto me merecen y cuya obra más admiro, no he llegado a conocerle nunca, pese a que no faltaron ocasiones. La primera vez que él vino a España en 1971, yo estaba en el trullo (Elisa Serna fue a contarme luego la reunión que Adolfo Celdrán y ella habían tenido con él). La última, cuando hace 20 años se celebró en Barcelona el 25 aniversario de “Al vent”, la canción de Raimon. Pude pasar después del concierto detrás del escenario y saludarle, pero no lo hice. Me hubiera gustado tener una larga conversación con él, claro, pero darle la mano y decirle “Mr. Seeger, le admiro mucho, deme dos besos que no me voy a lavar la mejilla en un año” me parecía una chorrada mitómana. Y chocheo un poco, pero todavía no me ha alcanzado esa enfermedad.

Pete Seeger cantaba dos canciones en uno de los tres primeros discos que compré de una tacada en mi vida. Debió ser en 1966. Los otros dos fueron “Byrd” de Charlie Parker y “Cuadros de una exposición” de Mussorgsky. El tercero era un colectivo de folk estadounidense en el que, aparte de Seeger, estaban, que recuerde ahora, Dylan, Johny Cash  y P.F. Sloan. Dos o tres años después, Joaquín Díaz facilitó la publicación de sus primeros discos en España, en el sello Movieplay, y casi al mismo tiempo hice amistad con Fernando Santos Fontela, que vivía en USA y que publicó, con el seudónimo de Ramón Padilla, el libro “Canciones de protesta del pueblo norteamericano”. El me trajo un montón de discos que incluían joyas de Peter Lafarge, Malvina Reynolds, Sonny Terry, Paxton, Ochs, Collins, Richard y Mimi Fariña, Julius Lester, Guhrie… Y por supuesto Seeger. En fin, que me puso en casa.

Con estos antecedentes escribí el primer artículo sobre él que recuerdo. Fue en DISCÓBOLO, en …., y lo hice a medias con Álvaro Feito, también colaborador de la revista y cuya mano veo ahora al releerlo, especialmente en el profundo conocimiento del cantante que muestra el texto. Fue la primera vez que escribimos juntos, una costumbre que después, con Tina Blanco convirtiendo el dúo en terceto, repetimos con frecuencia bajo el seudónimo colectivo de Equipo Ernesto Sandino (para disimular el rabo y los cuernos). Le siguen dos escritos de 1984, publicados, respectivamente, en EL PAÍS y MUNDO OBRERO.

Si no leéis los textos no me importa demasiado, ahora sí, como no escuchéis y veáis las canciones que adjunto me voy a coger un cabreo de tres pares de narices.

DISCÓBOLO. 11 DE ABRIL DE 1970

"Venceremos, venceremos,

venceremos  algún día.

En el fondo de mi alma

estoy convencido

de que venceremos...”

Pete Seeger, "We shall overcome".

“LOS jóvenes nos dan una lección". Son palabras de un hombre joven de cincuenta años en el intermedio hablado de la famosa canción Triunfaremos (We shall overcome) --auténtica canción folklórica del siglo XX, creada anónimamente hacia 1945, y hoy definitivamente aceptada para siempre -- , que figura en el disco de 30 cm. que se va a lanzar inmediatamente al mercado español, si no lo ha sido ya cuando estas palabras sean leídas. Un magnífico disco, conteniendo, además, temas como ¿Qué se hizo de las flores?, Turn, turn, turn y Guantanamera, que son, probablemente, las cuatro canciones más divulgadas y popularmente conocidas del gran musicólogo y folklorista norteamericano de entre sus miles de canciones adaptadas, creadas o interpretadas por él. Sí, habéis leído bien: miles. Y no es cifra ni efectista ni falsa. Es la cifra necesaria para llenar el contenido de los cien LP's que Pete Seeger ha grabado a lo largo y ancho de su inagotable, incansable vida de hombre bueno entregado a dos pasiones: la música y la justicia, el arte y el hombre; las dos cosas más grandes creadas por Dios en esta vida, tan a menudo triste y vacía, por causa, precisamente, de la explotación del hombre por el hombre, y por la carencia de belleza.

TRAYECTORIA

Procedente de una familia eminentemente incrustada en la música, siendo su padre, Charles, un estudioso profundo de las tradiciones orales de su país, y su madre una consumada intérprete de violín y "fiddler", se puede decir de Pete Seeger que es el punto de partida de un nuevo hombre de nuestro tiempo, en el aspecto artístico-musical. Con los precedentes de Joe Hill y Woody Guthrie, cuya vida y amistad compartió durante muchísimos años; con los trabajos en común junto a los Almanac Singers (1941-42) y a los Weavers (1949-1953) ; con su actividad en las editoriales de Canciones del pueblo, Sing Out y Broadside --de la que es, desde 1962, asesor--; con sus cientos y cientos de recitales en Universidades americanas e inglesas; con su enorme cantidad de giras a través del país, y de toda la tierra; con su trabajo en favor de los movimientos progresistas y partidos políticos avanzados y, sobre todo, con su sola presencia y la presencia física de sus canciones, de sus cientos de temas, con todo ello, la vida de Pete Seeger queda resumida en breves líneas, como seguramente él desearía, pero lo que no puede quedar resumido, sino ligerísimamente apuntado, es la categoría del hombre que tenemos delante. Esa categoría de hombres de las que tan necesitados andamos para volver a recuperar la fe perdida en una condición pecadora y justamente desprestigiada, por cuanto en cientos de siglos no ha sabido aún desterrar de entre sí la envidia, el rencor y la maldad, vértices engendradores de ese triángulo fatal que es opresión-miseria-guerra.

"HIPPY"

Las últimas apariciones de Pete Seeger, en los conciertos contra la guerra del Vietnam, en las gigantescas manifestaciones del "Moratorium Day" el pasado mes de noviembre en Nueva York, o en la campaña de reivindicación de los derechos de las minorías indias, nos han presentado al veterano Pete con un aspecto más jovial que nunca: con una espesa barba, con camisas de florecillas. Con la juventud, en una palabra, como siempre. Ahora, la juventud pura e idealista usa de aquellos símbolos para hacerse reconocer, y Pete está con ellos, precisamente en lo simbólico. La diferencia esencial con el "hippy" está en que Pete va más allá de esa superficialidad, y sigue trabajando como siempre de forma material en pro de unos objetivos ansiados, pero que hay que conquistar con esfuerzo, no simplemente con buenos deseos.

TOTALIDAD

Del mismo modo que los novelistas de nuestro tiempo persiguen la "obra total, la novela completa", Pele Seeger y su música ofrecen un aspecto integrador, totalizador de tendencias y formas. Como decía Malvina Reynolds: "No importa que nos llamen cantantes folklóricos, o lo que quieran; lo importante es que canten nuestras canciones".

En efecto, se debate hoy mucho acerca de términos como "pureza" en la canción folklórica, "sofisticación", "desviacionismo", etc., por aplicar términos algo más definidos que los aceptados masivamente por "canción protesta", "folklore", "canción tópica", etcétera. Cuando lo que importa no es tanto el continente, la denominación, cuanto el fondo, la expresión.

Por eso Pete Seeger se debe reír cuando los puritanos de siempre se escandalizan de oírle cantar Give peace a chance, por cuanto no se trata de una canción folk ni por asomo, sino de una canción pop.

CANCIONES

La capacidad de trabajo de Pete Seeger es asombrosa, como ha quedado demostrado al hablar de su dedicación al mundo de la canción; sin embargo, donde más clara queda su ductilidad, su variedad, y también su profundización en todos los temas que trata, es, sin duda, al escuchar sus discos grabados y las canciones c¡ue en ellos canta: sus discos abarcan todos los temas y formas imaginables, desde una lección de tocar el banjo (disco Folkways F18354), recitales en directo (disco CBS 5262J), pasando por todo tipo de experiencias y particularidades.

Algo parecido pasa con las canciones que interpreta. Mientras que otros cantantes del pueblo interpretan sólo sus propias composciones, o exclusivamente creaciones ajenas, sean o no folkóricas, Pete Seeger es el cantante que cuenta en su repertorio con casi todas las canciones del mundo, folklóricas (Oh Lousianna, Suliram, etc.), de autores modernos, como Tom Paxton (That's what i learned in school --Qué aprendiste en la escuela--), Les Rice (I can see a new day --Puedo ver un nuevo día--), o de Bob Dylan (Who killed Davey Moore --Quién mató a Davey Moore--), hasta llegar ahora a canciones pop, como Give peace a chanche. También compone sus propias canciones, bien sobre textos propios (Quién mató a Norma Jean, Metidos hasta la cintura en la ciénaga), o daptando poemas de autores conocidos, aunque no sean norteamericanos, tal es el caso de Nazin Hikmet, el gran poeta turco, con un texto sobre el cual ha compuesto la canción I come and stand at every door, o del ruso Sholojov, del cual está sacada su famosa canción ¿Qué se hizo de las flores? Si Pete Seeger fuera el único cantante del que quedaran discos en un futuro, podríamos reproducir toda la historia del folk americano a través de las canciones que él canta.

Igual sucede con los temas; Pete Seeger no es un cantante limitado por este o aquel tema; sus recitales y sus discos incluyen canciones de todo tipo: de amor (Mail myself to you, de W. Gulhrie); de protesta social (Mrs. Clara Sullivan's letter); sobre el problema racial (Si te sientas en la parte trasera del autobús); sobre el Vietnam (Si queréis a vuestro Tío Sam); canciones humorísticas, como The foolish frote, sobre una historia de su padre, y también canciones religiosas, como Turn, turn, turn. También merece especial mención su destacada atención por las canciones en castellano, de las que no suelen faltar en ninguno de sus discos. En todos ellos incluye   generalmente una en nuestro idioma, que va desde la clásica canción de niños, El parque Elysian, a las más comprometidas, Viva la quince brigada, y otras muchas, como Guantanamera, Cielito lindo, Qué bonita bandera,  etc.

Pete Seeger era hasta el año pasado uno de los cantantes peor representados en España; únicamente dos canciones suyas (Que se hizo de las flores y Mealing River) fueron incluidas en 1966 en un disco antología que, bajo el título "The best of Folksong", y también recogía canciones de Dylan y Johnny Cash, entre otras. Pero el año pasado han aparecido tres LP's, y está a punto de aparecer el cuarto, que sin duda será el mejor de ellos. Los tres discos aparecidos son muy distintos; uno de ellos, "Cantemos con Pete Seeger Vol I", editado por Movieplay, es uno de los primeros álbumes que grabó en su vida; predominan las canciones folklóricas y tiene un gran valor histórico; el volumen dos de la serie es un recital en directo, que permite apreciar la forma de hacer de Pete Seeger. El tercer álbum aparecido, éste con CBS, es también un recital en directo; se litula "3 saints, 4 sinners and 6 other people", y recoge canciones de diferentes autores, Guthrie y Sis Cunningham, entre otros.

FIDELIDAD

Pero este hombre permanece fiel a sí mismo. En cada época de su vida adoptó una postura, la que creía más conveniente, y ahora, de nuevo, no la va a variar porque existan los clásicos aguafiestas, los eternos ignorantes. Con músicas antiguas o con músicas nuevas, las letras de sus canciones serán invariables. Irán dirigidas a los sentimientos más humanos, si es que aún no están totalmente desgastados o deformados. Y gritará y gritará, continuará gritando contra la bomba atómica como lo hizo el mismo día de Hiroshima; gritará contra el totalitarismo de Hitler y el dogmatismo estalinista: gritará contra la represión, contra el fascismo de nueva hornada que suponen los tecnócratas y el imperio de los ordenadores electrónicos; gritará contra todo lo que suponga una mutilación de los derechos humanos en toda su amplitud, como la última de sus canciones, publicada en "Broadside", acompañada, además, de un artículo en la que se manifiesta contra el control de natalidad, asegurando científicamente que "un millón de bebés yanquis causan mayores problemas que cien millones de niños indios, porque el niño indio trece de forma natural comiendo arroz v calentándose con el fuego de carbón, mientras el bebé americano necesita de cientos de toneladas de gasolina, aceite, y todo lo demás, con la consiguiente polución del aire'', para acabar concluyendo: "es la gente rica de todo el mundo la que debe empezar a limitar su propagación".

Palabras inteligentes llevadas a inteligentes canciones que, precisamente por todo eso, siguen siendo boicoteadas por parte del "establishment", cuando no la represión violenta o el encarcelamiento. Todo eso lo ha vivido Pete, y no por ello ha cejado nunca en su empeño de luchar con todas sus fuerzas por la desaparición de las diferencias, el racismo y las injusticias que pueblan este ancho, largo, ajeno mundo.

EL PAÍS. 13 OCTUBRE 1984

Pete Seeger es uno de los últimos mitos vivientes que quedan en la música popular de este tiempo, si es que en este tiempo son posibles los mitos y si puede ser mítico alguien tan cercano y tan poco dado a dejarse mitificar como él. En su figura se dan, no obstante, algunas de las características que le sitúan como un personaje que ha entrado ya en la leyenda, configurando una imagen que sólo puede darse en la proyección histórica, entre la bruma de lo desconocido y el atractivo de lo irrepetible.

En Seeger confluyen la tradición del folk americano, su larga, complicada y atrayente historia, y la modernidad de un hombre que durante más de 40 años ha sabido estar siempre renovándose, a la vanguardia de una música que, sin ser vanguardista en el exacto sentido del término, se ha venido transformando y adaptando al paso del tiempo. Su obra se ha editado en España poco y mal, sin ningún orden ni sentido, como corresponde a una música marginal que no goza del beneplácito de la moda, pero de la que se puede decir, como decía aquel oyente del bluesmen Jimmie Rodgers: "Me gusta porque todo lo que canta es verdad". Discoplay, editora española del sello Folkways, viene regalándonos de manera inteligente y ordenada una buena parte de la discografía del cantante americano. Son discos de distribución especializada y restringida, pero no por ello menos recomendables. Al contrario, precisamente por ello, y por no tratarse de una editora estrictamente comercial, constituyen un esfuerzo doblemente valioso.

La fuerza expresiva de Pete Seeger surge con todo su poder en las grabaciones en directo, en las que se puede disfrutar de la capacidad de comunicación que derrocha el cantante. Su facilidad para conectar con el público, su versatilidad interpretativa, su expresividad directa e inmediata, su virtuosismo con la guitarra y el banjo y su sentido de la canción como algo compartido y liberador, brilla en sus discos en directo con especial fulgor.

Los dos álbumes que comentamos --grabado el primero de ellos en un pequeño club de folk neoyorkino, el Village Gate, con la colaboración de esos dos grandes bluesmen que son Memphis Slim, piano, y Willie Dixon, bajo, y el segundo en el Carnegie Hall, con la valiosa intervención del cantante y armonicista Sonny Terry-- son la quintaesencia de su arte. Canciones populares, alguna composición propia, blues, gospel, espirituals, música blanca y temas de Woody Guthrie, pasan por el tamiz de la voz personalísima, matizada y rica de Pete Seeger, dejando un regusto de reunión entre amigos, de cotidianeidad inimitable en la que poco importa que las grabaciones, como corresponde a la técnica del momento en que fueron hechas --mediados de los cincuenta-- no tengan la perfección sonora que hoy se puede conseguir.

MUNDO OBRERO. 2 MARZO 1984

La América que invade Granada como antes invadió la República Dominicana o Vietnam, la que quiere destruir el proceso revolucionario en Nicaragua e impedir que se dé en El Salvador. Pero hay también otra América que se puede amar, la de aquellos que en el centro mismo del imperialismo se enfrentan a los valores del Imperio, es la América de Jane Fonda y Pete Seeger, la de Angela Davis y Malcolm X, la de tantos ciudadanos, artistas o no, que siguen defendiendo, en las peores condiciones posibles, la lucha por la igualdad, la libertad y la justicia. Es la América de estos dos discos que acaban de salir a la venta y que nos devuelven la historia de las viejas luchas sindicalistas y por los derechos civiles.

Canciones del sindicalismo americano

La distribuidora española del ello americano Folkways sigue empeñada en ofrecernos discos que se salen de los cauces comerciales, que aportan una concepción cultural, histórica y políca de la canción estadounidense. El primero de ellos es este “Talking Union and other Unions songs", que reúne una selección de canciones sindicalistas, . creadas en el fragor de las luchas obreras desde principios de siglo lasta los años cuarenta, fecha en la que se grabó el álbum, interpretadas por los Almanac Singers.

"¿De qué lado estás tú?" es la pregunta que se hacían en una canción escrita en 1932 los mineros en huelga de Harlam County (Kentucky), tras una represión que costó más de doce obreros asesinados por los pistoleros de la patronal. Joe Hill, cantante sindicalista que murió asesinado en 1917, contaba en "Casey Jones" la historia de un esquirol que al intentar subir al cielo era repudiado por los propios ángeles, y Woody Guthrie, en 1940, hacia en su hermosa e impresionante "Union Maid" un canto a las mujeres que luchaban en los sindicatos, tras una actuación suya y de Pete Seeger en el transcurso de una huelga. Y estas canciones son ya historia, y la interpretación de los Almanac Singers, asociación de cantantes sindicalistas entre los que se encontraban, cómo no, Guthrie y Seeger, los grandes cantantes de blues Josh White y Leadbelly, Lee Hays y Bess Hawes, entre otros, nos muestran lo mejor de un pueblo americano que no se ha dejado vencer y cuya lucha permaneció viva aún después de la dura represión mcarthysta y hasta nuestros días. Este disco es un recordatorio y un ejemplo. Escuchar la versión original del "No nos moverán", que tantas veces se cantó en España mientras que, paradoja de las paradojas, se corría delante de los guardias, es un recordatorio de que se puede odiar el Imperio, pero no al pueblo americano.

Pete Seeger. Los derechos civiles hechos canción

Porque, además, esa capacidad de resistencia al sistema no se agotó en los cuarenta, sino que ha seguido hasta nuestros días. Las figuras de John Lennon, Country Joe, Jefferson Airplane y tantos otros son sólo la muestra de una actitud ética que ahora aparece explicitada en el segundo de los discos que comentamos, el primer volumen de las baladas de Broadside, revista que de mediados de los setenta hasta la década siguiente aglutinó a los más veteranos de la canción reivindicativa americana e incorporó nuevos nombres.

En este disco aparecen canciones de Seeger, de nuevo, de Phil Ochs, Mark Spoelstra, Happy Traum o Peter Lafarge, que cantan, con belleza y decisión, contra el racismo y contra la guerra, la injusticia. Tal vez destaquen sobre el resto las primeras grabaciones que hiciera Bob Dylan, que por problemas de contrato con la multinacional CBS debió ocultar su nombre bajo el seudónimo de Blind Boy Grunt.

Discos, en definitiva, para escuchar, reescuchar, disfrutar, admirar y aprender.

Como casi final, aquí va una muestra de vitalidad y fidelidad a la canción única. El 28 de febrero de 2012, q punto de cumplir 94 años dando una conferencia-recital a un grupo de estudiantes. Les habló del poder de la música. Ojo al final extraordinario, con el viejo haciendo cantar a todo el auditorio Whe Sall Overcome.

Y ahora sí. En 1965/66 Pete Seeger dirigió y presento en cadena pública televisiva de Nueva York y en otras onces estaciones el programa Raimbow Quest (La búsqueda del Arco Iris. Fueron 39 emisiones que han quedado registradas para la historia y que vistas hoy --cosa que se puede hacer pues la mayor parte de los programas, o al menos fragmentos, están colgados en Youtube-- aparecen como un modelo televisivo y musical basado en la simplicidad y la comunicación. Una mesa, tantas sillas como invitados, el presentador y sus invitados que van cogiendo y dejando sus instrumentos, charlando y cantando en un tono informal y distendido. Nada más y nada menos. Pasaron por el espacio todo tipo de cantantes de folk, de blues o de country, en una lista en la que figuran The Clancy Brothers and Tommy Makem, Tom Paxton, Elizabeth Cotton, Jean Ritchie and Bernice Reagon, Malvina Reynolds, Jack Elliott, New Lost City Ramblers, Doc Watson, Mimi and Richard Fariña, Patrick Sky, Len Chandler, Donovan, Shawn Phillips, Reverend Gary Davis, Judy Collins, Sonny Terry & Brownie McGhee, Mississippi John Hurt, Buffy Sainte-Marie y Johnny Cash & June Carter. Un cartel de lujo del que os dejo aquí al matrimonio Cash con la invitación de que a través de ellos lleguéis a los demás. Merece la pena.

http://www.youtube.com/watch?v=2vWxX3tkbyo